Ich kann mich noch gut daran erinnern, wie überfordert ich mich damals gefühlt habe, als ich Procreate das erste Mal geöffnet habe. Dabei hat Procreate eine recht übersichtliche Benutzeroberfläche. Doch ich wusste einfach nicht, wo ich anfangen sollte,

Diesen Artikel schreibe ich vor allem zur Vorbereitung auf meinen Kurs Projekt Procreate, der am 03.02.2025 im Beta-Testdurchgang startet. Trotzdem wird er sicherlich auch für alle anderen, die nicht am Kurs teilnehmen, eine Hilfe für die ersten eigenen Schritte in Procreate sein.

Ich wünsche dir jedenfalls, dass dir dieser Artikel dabei hilft, nicht beim ersten Öffnen von Procreate die App gleich wieder zu schließen, so wie ich es damals getan habe.

Was brauchst du für Procreate?

Die App Procreate gibt es nur für iPads. Du brauchst auch nicht das neueste iPad Pro, um mit Procreate vernünftig arbeiten zu können. Jedoch hängt unter anderem von der Leistung deines iPads die Anzahl der Ebenen ab, die du in der App zur Verfügung hast. Die Macher von Procreate stellen eine Rechner bereit, mit dessen Hilfe du herausfindest, wie viele Ebenen du mit welchem iPad-Modell bei welcher Leinwandgröße zur Verfügung hast.

Zusätzlich ist ein Pencil empfehlenswert, wenn du nicht mit den Fingern malen willst. Am besten eignet sich der Apple Pencil. Davon gibt es mittlerweile auch mehrere Modelle. Welcher Pencil für welches iPad-Modell geeignet ist, findest du auf der Hilfeseite von Apple. Idealerweise hat der Apple Pencil Drucksensibilität. Das trifft auf Apple Pencil 2. Generation und Apple Pencil Pro zu.

Procreate herunterladen und installieren

Um die App zu verwenden, müssen wir sie natürlich erst einmal herunterladen. Gehe dazu in den App Store auf deinem iPad (Procreate ist nur für iPads erhältlich) und tippe auf die Suche (Lupensymbol). Gebe dann im Suchfeld Procreate ein.

Wo bei mir Öffnen steht, weil ich die App schon installiert habe, steht bei dir der Preis.

Aktuell kostet Procreate 14,99 €. Das ist ein einmalig zu zahlender Preis, kein Abo. Du kaufst damit Procreate, einschließlich künftiger Updates. Und für das, was Procreate kann, ist der Preis echt super.

Wenn die App heruntergeladen ist, öffne sie. Die Ansicht, die du nun siehst, nennt sich Galerie. Dort findest du zu Beginn ein paar Testwerke, die gleich in Procreate als Anschauungsmaterial enthalten sind. Alle Werke, die du in Procreate erschaffst, wirst du in Zukunft auch hier finden.

Wichtige erste Einstellungen

Es gibt ein paar Einstellungen, die ich dir sehr ans Herz lege. Zwar geht es auch ohne diese Einstellungen, aber das kann ziemlich nervig sein.

Dieses Einstellungen sorgen nämlich dafür, dass deine Hand nicht irgendwelche Striche oder ähnliches macht, die du gar nicht haben willst.

Öffne in Procreate eine der mitgelieferten Projekte (oder auch ein eigenes, falls du schon eigene hast), indem du einfach auf eines dieser Projekte tippst. Tippe dann links auf das Symbol Aktionen (sieht aus wie ein Maulschlüssel), dann auf Einst, > Gestensteuerung.

Daraufhin öffnet sich das Fenster Gestensteuerung. Tippe dort in der Liste auf der linken Seite auf Allgemein, und deaktiviere die Option Zeichnen mit dem Finger aktivieren.

Tippe dann ganz rechts auf Fertig und dann auf Galerie, um wieder zur Galerie zurückzukehren.

Zusätzlich empfiehlt es sich, in den Einstellungen deines iPads unter Apple Pencil die Option Nur mit Apple Pencil zeichnen zu aktivieren.

So, und jetzt können wir in Procreate loslegen. Öffne also wieder Procreate.

Die wichtigsten Werkzeuge in Procreate

Jetzt kommen wir zur Benutzeroberfläche und den wichtigsten Werkzeugen in Procreate.

Leinwand anlegen

Um in Procreate malen zu können , benötigen wir zunächst eine Leinwand. Tippe dazu auf das + ganz rechts oben in der Galerieansicht. Daraufhin öffnet sich eine Liste mit bereits angelegten Leinwandgrößen.

Wenn eine dieser Leinwandgrößen zu deinem Projekt passt, kannst du sie einfach durch Tippen auswählen.

Ich möchte dir jedoch auch zeigen, wie du selbst eine Leinwand anlegst, deren Größe (und sonstige Einstellungen) du selbst bestimmen kannst. Tippe hierzu auf das Symbol ganz rechts neben Neue Leinwand. Daraufhin öffnet sich das Dialogfeld Eigene Leinwandgröße. Hier kannst du alle möglichen Einstellungen für die neue Leinwand vornehmen.

Für diese kurze Einführung interessieren uns jedoch nur die Abmessungen. Hier kannst du die gewünschte Höhe und Breite für deine Leinwand eingeben, und zwar in Millimeter, Zentimeter, Zoll oder Pixel. Wenn du Pixel verwendest, interessiert die Auflösung (DPI) nicht. Wenn du jedoch noch keine Vorstellung davon hast, wie groß Pixelangaben tatsächlich sein können, nutze am besten Millimeter oder Zentimeter.

In diesem Fall musst du auch die Auflösung beachten. Wenn du ausschließlich für die Anzeige im Web (z. B. Social Media oder Website) kreierst, reicht eine geringe Auflösung von 72 DPI. Generell empfehle ich jedoch eine Auflösung von mindestens 300 DPI. So kannst du deine Werke auch drucken (lassen), wenn du möchtest.

Unter der DPI-Einstellung siehst du dann, wie viele Ebenen dir bei den ausgewählten Einstellungen zur Verfügung stehen. Wenn du mit den Einstellungen zufrieden bist, klicke oben rechts auf die orangene Schaltfläche Erstellen.

Daraufhin öffnet sich die gerade erstellte Leinwand, und du kannst mit dem Zeichnen loslegen. Dazu brauchst du natürlich noch ein paar Werkzeuge.

Die Benutzeroberfläche von Procreate ist sehr übersichtlich. Oben rechts findest du die wichtigsten Werkzeuge fürs Zeichnen: Pinsel, Wischfinger, Radierer, Ebenen und Farben.

Farben einstellen

Beginnen wir ganz rechts mit den Farben. Klicke auf den farbigen Kreis ganz rechts. Daraufhin öffnet sich das Dialogfeld Farben. Hier hast du verschiedene Möglichkeiten, die Farbe für deinen Pinsel auszuwählen. Probiere erst einmal einfach die verschiedenen Möglichkeiten durch.

Im Farbring und in der klassischen Auswahl kannst du einfach eine Farbe einstellen.

Unter Harmonie kannst du verschiedene Harmonien erkunden und nutzen.

Unter Wert hast du die Möglichkeit, deine Farbe durch Eingabe verschiedener Farbcodes wie HSB, RGB oder Hexadezimal einzustellen.

Und unter Paletten kannst du selbst erstellte, importierte oder vorgegebene Farbpaletten verwalten.

Wähle jetzt einfach eine beliebige Farbe aus, und dann kommen wir zu den eigentlichen Zeichenwerkzeugen, nämlich Pinsel, Wischfinger und Radierer. Die Ebenen erkläre ich dann kurz im Anschluss.

Pinsel, Radierer und Wischfinger

Hinter dem Pinsel verbirgt sich eine ganze Pinselbibliothek, die bereits von Haus aus gut gefüllt ist. Dieselbe Bibliothek verbirgt sich auch hinter dem Wischfinger und dem Radierer.

Hier kannst du dich erst einmal nach Herzenslust durch alle Pinsel, Wischfinger und Radierer durchprobieren.

Dazu ist es sinnvoll, dass du dir auch die linke Leiste (lässt sich übrigens in den Einstellungen auch auf die rechte Seite bringen, falls dir das angenehmer ist) mit den Schiebereglern für Pinselgröße und Deckkraft anschaust.

Mit dem oberen Schieberegler stellst du die Pinselgröße ein.

Der untere Regler ist für die Deckkraft zuständig.

Unterhalb der Regler findest du noch die Schaltfläche zum Rückgängigmachen und Wiederholen. Diese benutze ich allerdings nie. Ich finde es viel einfacher, die Fingergesten dafür zu verwenden. Wenn du mit zwei Fingern auf den Bildschirm tippst, machst du die letzte Aktion rückgängig, und durch Tippen mit drei Fingern stellst du diese Aktion wieder her.

Ebenen

Bevor du dich jetzt an dein erstes Werk machst, will ich dir noch kurz das Wichtigste zu den Ebenen zeigen. Wenn du auf das Ebenensymbol tippst, öffnet sich das Menü Ebenen.

Wenn du noch keine neuen Ebenen erstellt hast, gibt es nur zwei Ebenen: die Hintergrundfarbe, die du beliebig einstellen oder auch einfach weiß lassen kannst. Du kannst sie sogar ausstellen, wenn du einen transparenten Hintergrund haben möchtest. Tippe dazu einfach auf das Häkchen rechts. Auf diese Art kannst du übrigens jede Ebene unsichtbar und wieder sichtbar machen.

Ebenen kannst du dir vorstellen wie transparente Papierblätter, die übereinander liegen. Sie tragen sehr zur Flexibilität der digitalen Malerei bei, denn sie ermöglichen Experimente, ohne bereits vorhandene Teile deines Werkes zu beeinträchtigen.

Du erstellst einfach eine neue Ebene (klicke dazu auf das + rechts oben) und kannst verschiedene Ideen ausprobieren, ohne dabei darunterliegende Ebenen zu beschädigen.

Alle Ebenen bis auf die Hintergrundebene lassen sich auch an jede beliebige Stelle in der Liste verschieben. Dabei gilt, dass die unterste Ebene die hinterste Ebene ist, sodass alles auf darüberliegenden Ebenen diese Ebene verdeckt.

Probieren geht über Studieren

So, und jetzt hast du die wichtigsten Werkzeuge in Procreate kennengelernt und kannst dich erst einmal mit ihnen vertraut machen, indem du sie alle ausprobierst.

Kritzle einfach mal mit allen Pinseln in der Pinselbibliothek auf der Leinwand herum. Schau dir an, wie sich  Wischfinger und Radierer mit den verschiedenen Einstellungen der Pinselbibliothek verhalten.

Ändere Größe und Deckkraft, nutze Ebenen. Spiele mit den Farben usw.

Ich wünsche dir viel Spaß und freue mich, wenn ich dich im Kurs Projekt Procreate wiedersehe.

In diesem Artikel gehen Pinsel und Pixel eine magische Verbindung ein. Die Kombination von digitaler und traditioneller Kunst bietet spannende Möglichkeiten, die Stärken beider Kunstformen zu nutzen, um kreative, hybride Werke zu erschaffen und die Grenzen der Kunst neu auszuloten.

Hier findest du einige Möglichkeiten, wie du digitale und traditionelle Kunst miteinander verbinden kannst, um das Beste aus beiden Welten zu vereinen.

1. Digitaler Entwurf und traditionelle Ausführung

Verwende digitale Tools wie Procreate oder Photoshop, um Entwürfe und Skizzen zu erstellen. Dank digitaler Ebene und der Rückgängig-Funktion kannst du rasch und einfach Änderungen vornehmen und verschiedene Kompositionen, Farbstellungen usw. ausprobieren, ohne Materialien zu verbrauchen.

Drucke dann die digitale Skizze aus, oder übertrage sie auf eine Leinwand, und setze die Arbeit mit traditionellen Medien wie Acryl, Aquarell oder Buntstiften um.

So verbindest du die Flexibilität digitaler Skizzen mit der haitischen Qualität traditioneller Kunst im fertigen Werk.

2. Traditionelles Malen und digitale Verfeinerung

Beginne mit einem traditionellen Medium wie Aquarell oder Acryl, um eine Grundstruktur, Textur oder Farbkomposition zu schaffen.

Fotografiere oder scanne das Werk, und importiere es in eine digitale Plattform. Dort kannst du Farben intensivieren, Details hinzufügen oder Fehler korrigieren, ohne das Original zu beschädigen. Außerdem kannst du verschiedene Filter und Effekte anwenden, um eine neue visuelle Dimension hinzufügen.

3. Mixed Media-Kollagen

Kombiniere digitale und physische Elemente zu Mixed Media-Kollagen.

Erstelle zunächst einen Teil eines Kunstwerks digital (z. B. digital gemalte Objekte oder Hintergründe), und drucke sie aus.

Diese Elemente kannst du dann in eine traditionelle Mixed Media-Kollage integrieren, indem du sie mit physischen Materialien wie Stoff, Papier, Farbe und anderen texturierten Medien kombinierst.

Alternativ kannst du traditionelle Texturen oder Maltechniken digital überlagern, um neue visuelle Ebenen zu schaffen.

4. Traditionelle Texturen und digitale Malerei

Scanne oder fotografiere physische Texturen, die du mit traditionellen Medien (z. B. Pinselstrichen, Spritzern oder Stempeln) geschaffen hast.

Nutze diese gescannten Texturen in digitalen Programmen als Pinsel oder Muster. Dadurch erhält deine Digitale Kunst eine authentische, organische Anmutung, die traditionelle erstellte Texturen mit den Vorzügen digitaler Bearbeitung verbindet.

5. Digitales Experimentieren mit Farben für traditionelle Werke

Nutze digitale Tools, um verschiedene Farbpaletten und Beleuchtungsszenarien auszuprobieren, bevor du dein traditionelles Werk beginnst. So sparst du Zeit und Material und hast die Möglichkeit, nach Herzenslust mit Farben zu experimentieren, bevor du mit echten Farben arbeitest.

Wenn du dann die perfekte Farbkombination gefunden hast, kannst du sie in deinem Werk mit traditionellen Medien umsetzen.

6. Hybride Kunstdrucke

Entwickle ein traditionelles Kunstwerk durch digitale Nachbearbeitung weiter zu neuen Versionen, die du dann als hochwertige Kunstdrucke produzieren kannst.

Du kannst Farbvariationen, Texturen und digitale Elemente hinzufügen, die dein ursprüngliches Werk ergänzen.

Außerdem kannst du traditionelle Werke digital reproduzieren und in limitierter Auflage drucken. Hierbei hast du die Möglichkeit, Unikate durch digitale Veredelung oder besondere Drucktechniken zu schaffen (z. B. durch Einbinden von Gold- oder Silberfolie).

7. Digitaler Druck mit manueller Veredelung

Erstelle dein Werk digital und drucke es auf hochwertigem Papier oder Leinwand aus.

Füge dem Druck manuelle Details hinzu wie etwa Pinselstriche, Acrylübermalung, Blattgold oder Tintenzeichnungen.

Diese Kombination verleiht dem Druck physische Tiefe und Unikatcharakter.

8. Animation und GIFs von traditionellen Werken

Fotografiere oder scanne ein traditionelles Kunstwerk und nutze es als Grundlage für digitale Animationen.

Mit Tools wie After Effects oder Procreate kannst du Bewegung, Farbänderungen oder verschiedene Stadien des Kunstwerks animieren, um ein neues dynamisches Kunstwerk zu schaffen, das du digital teilen kannst (z. B. als GIF oder Video).

9. AR- und VR-Kunstinstallationen

Nutze Augmented Reality (AR), um traditionelle Werke zu erweitern. Besucher könnten eine App nutzen, um zusätzliche digitale Elemente zu sehen, die über die physischen Werke gelegt werden.

Physische Skulpturen oder Installationen kannst du in Virtual Reality (VR) weiterentwickeln und erlebbar machen. Das eröffnet eine völlig neue Dimension für die Betrachtung und Interaktion mit Kunst.

Fazit

Durch die Verbindung von digitaler und traditioneller Kunst kannst du die Flexibilität und Effizienz digitaler Werkzeuge nutzen und gleichzeitig die physische Tiefe und den einzigartigen Charakter traditioneller Techniken beibehalten.

Solche hybriden Ansätze erweitern die kreative Bandbreite und eröffnen spannende neue Möglichkeiten für innovative Kunstwerke.

Stellst du dir auch die Frage, ob du eher mit Pinsel oder Pixel kreieren möchtest? In diesem Artikel stelle ich die beiden Kunstformen einander gegenüber, zeige dir ihre jeweiligen Vor- und Nachteile. So findest du heraus, ob eher die digitale oder die traditionelle Kunst am ehesten für dich geeignet ist.

Oder vielleicht ergänzen sich digitale und traditionelle Kunst hervorragend. Lass es uns einfach herausfinden.

Am Ende des Artikels findest du die gesamte Gegenüberstellung noch einmal in Kurzform als Tabelle.

Kosten für Materialien

Für viele Menschen sind die Kosten ein sehr wichtiger Faktor. Und beide Kunstformen haben hier sowohl Vor- als auch Nachteile.

Materialkosten für digitale Kunst

Bei der digitalen Kunst ist zunächst eine anfängliche Investition in Hardware (Tablet, Computer) und Software (z. B. Procreate) erforderlich. Wenn du jedoch bereits ein geeignetes Gerät hast (z. B. ein iPad), halten sich diese Kosten sehr in Grenzen. Die digitale Zeichen-App Procreate (nur fürs iPad) beispielsweise kostet unter 15 €.

Mit diesem anfänglichen Setup kannst du dann ein paar Jahre arbeiten, ohne dass weitere Kosten entstehen müssen.

Natürlich hast du auch in der Welt der digitalen Kunst die Möglichkeit, Neues zu kaufen, z. B. digitale Pinsel, Texturen usw. Aber es ist kein Muss, denn weder Farben noch Pinsel werden verbraucht. Die meisten kannst du sogar selbst erstellen, wenn du magst.

Also hast du nach der anfänglichen Investition solange Ruhe, bis du die Hardware erneuern oder eine andere Software ausprobieren möchtest.

Materialkosten für traditionelle Kunst

In der traditionellen Kunst werden Materialien wie Farben, Stifte, Papier und Leinwände fortlaufend verbraucht, sodass du regelmäßig neue Materialien nachkaufen musst.

Dafür sind die Anfangskosten überschaubar. Sogar mit einem einfachen Bleistift lassen sich schon die Grundlagen des Zeichnens erlernen und sogar ganze Kunstwerke erschaffen.

Bei den meisten Techniken brauchst du auch nur eine begrenzte Anzahl von Farben (die Primärfarben) für den Anfang, sofern du bereit bist, dich mit Farben und dem Mischen von Farben zu beschäftigen. Nach und nach kannst du dann weitere Farben ergänzen, die du häufig verwendest.

Mobilität und Platzbedarf

Mobilität und Platzbedarf der digitalen Kunst

Ein iPad mit Apple Pencil und Procreate ist alles, was du brauchst, um digitale Kunst auszuüben. Und so ein iPad passt in fast jede Tasche. Damit hast du praktisch ein ganzes Kunstatelier immer mit dabei. Auch zuhause nimmt dieses Setup kaum Platz ein.

Selbst mit einem Laptop und einem kleinen Grafiktablett bist du immer noch sehr mobil und kannst es dir sogar noch auf dem Sofa gemütlich machen.

Natürlich kannst du auch bei digitaler Kunst mehr Platz brauchen, wenn du dich für ein entsprechend großes Grafikdisplay und einen Desktop-PC entscheidest. Aber gebraucht wird dieses Setup höchstens in professioneller Kapazität.

Auch die Aufbewahrung deiner digitalen Kunstwerke erfordert Platz. In diesem Falle brauchst du jedoch digitalen Speicherplatz. Der physische Platzbedarf dagegen ist vernachlässigbar.

Mobilität und Platzbedarf der traditionellen Kunst

Traditionelle Kunst ist sehr vielfältig in dieser Hinsicht. Einen Block Zeichenpapier und einen Bleistift kannst du überall mit hinnehmen, ob in ein Café oder zuhause aufs Sofa. Sie nehmen auch nicht mehr Platz ein als ein iPad.

Aber nicht jede traditionelle Technik ist so platzsparend und mobil. Zwar gibt es durchaus auch mobile Paletten und Staffeleien, aber sie haben ihre Einsatzgrenzen. Ich möchte sie nicht ständig mit mir herumtragen.

Und auch zuhause nutze ich Pinsel und Farben jeglicher Art lieber am Tisch als auf dem Sofa.

Die Aufbewahrung von traditionellen Kunstwerken kann auch zu einem Problem werden, besonders wenn du sehr viele und große Kunstwerke erschaffst.

Der Faktor Zeit

Zeiteffizienz bei digitaler Kunst

Dieser Aspekt der digitalen Kunst hat mich tatsächlich meine Kreativität wiederentdecken lassen. Für digitale Kunst musst du weder deinen Arbeitsplatz vorbereiten, indem du Materialien bereitlegst und Oberflächen zum Schutz vor Farbklecksen abdeckst, noch musst du hinterher alles wieder reinigen und wegräumen.

So kannst du auch kurze Zeitintervalle für deine Kunst nutzen, wenn beispielsweise deine Kinder Mittagsschlaf halten oder du einfach mal eine kleine Pause für dich einlegst.

Zeiteffizienz bei traditioneller Kunst

Bei traditioneller Kunst ist das etwas schwieriger, weil eben der Arbeitsplatz vorbereitet und ggf. abgedeckt und hinterher wieder alles gereinigt und aufgeräumt werden muss.

Natürlich gibt es auch hier Möglichkeiten für kleinere Zeitfenster, z. B. eine schnelle Skizze mit Bleistift geht auch in ein paar Minuten und braucht kaum Zeit zum Vorbereiten und Aufräumen.

Wiedereinstieg nach Pausen bei digitaler Kunst

Digitale Kunstprojekte können jederzeit gespeichert und ganz leicht geöffnet und fortgesetzt werden.

Wiedereinstieg nach Pausen bei traditioneller Kunst

Gerade bei Techniken, die Aushärten oder Trocknen erfordern, kann es wesentlich aufwändiger oder sogar nicht möglich sein, Projekte nach Pausen wieder fortzuführen.

Fehlertoleranz und kreative Freiheit

Fehlertoleranz bei digitaler Kunst

Wenn du beim digitalen Malen einen Fehler machst, lässt er sich dank der Rückgängig-Funktion und der Nutzung von Ebenen ganz einfach beheben.

Das kann sowohl positiv als auch negativ sein.

Positiv ist, dass du einfach nach Herzenslust probieren und experimentieren kannst. Dank der genannten Funktionen ist die Hemmschwelle viel niedriger.

Negativ kann sein, dass der Perfektionismus vielleicht etwas zu viel Raum erhält und sogenannte Happy Accidents verdrängt.

Letztlich kannst du selbst entscheiden, ob und in welchem Umfang du diese Funktionen nutzt.

Fehlertoleranz bei traditioneller Kunst

Die traditionelle Kunst ist im Allgemeinen nicht so fehlertolerant. Fehler sind schwerer oder gar nicht zu korrigieren, sodass du präziser und konzentrierter arbeiten musst, wenn du ein bestimmtes Ergebnis anstrebst.

Wenn du versuchst, Fehler zu korrigieren, können die Materialien darunter leiden. Beispielsweise kann Papier durch Radieren von Buntstiften oder Abheben von Aquarellfarbe mit Wasser beschädigt werden. Oder der Fehler scheint durch die Farbschicht durch, die du zum Beheben des Fehlers aufgetragen hast.

Wie du siehst, ist die Korrektur von Fehlern in der traditionellen Kunst recht eingeschränkt.

Kreative Freiheit in der digitalen Kunst

Dank der hohen Fehlertoleranz der digitalen Kunst ist die Hemmschwelle, Neues auszuprobieren und mit Farben, Techniken und Effekten zu experimentieren, deutlich geringer. Außerdem werden keine Materialien verbraucht.

Zudem hast du mit nur einem Klick Zugang zu unzähligen digitalen Pinseln, Farben und Effekte.

Das ermöglicht große kreative Freiheit.

Kreative Freiheit in der traditionellen Kunst

Experimentieren in der traditionellen Kunst kann teuer sein, weil die Materialien verbraucht werden und Fehlversuche Kosten verursachen.

Andererseits brauchst du vielleicht auch die haptische Erfahrung der traditionellen Kunst, um in den kreativen Flow fürs Experimentieren zu kommen.

Kunst als Erlebnis

Vielfalt an Werkzeugen in der digitalen Kunst

Heutzutage lassen sich in der digitalen Kunst nahezu alle Stile, Techniken und Materialien nachempfinden, sodass du praktisch ein ganzes, umfassend ausgestattetes Kunstatelier zur Verfügung hast.

Hinzu kommen Stile, Techniken und Effekte, die ausschließlich mit digitaler Kunst möglich sind.

Bereits die Werkzeuge, die in den digitalen Zeichen-Apps bereits enthalten sind, bieten so ein recht gut ausgestattetes digitales Kunstatelier, das sich durch hinzugekaufte Werkzeuge nahezu unbegrenzt erweitern lässt.

Vielfalt an Werkzeugen  in der traditionellen Kunst

Die in der traditionellen Kunst genutzten Werkzeuge und Materialien sind begrenzt, und jedes Werkzeug bzw. Material muss einzeln erworben werden. Natürlich kannst du auch mit Werkzeugen und Materialien experimentieren, die eigentlich nicht direkt für das Erschaffen von Kunst bestimmt sind.

Textur und Haptik in der digitalen Kunst

Zwar können Texturen usw. virtuell nachgebildet werden, sodass beispielsweise Pinselstriche zu sehen sind, oder sogar Oberflächen wie Metall und Holz. Jedoch fehlt die physische Haptik.

Das tatsächliche Kunsterlebnis ist weitestgehend auf visuelle oder akustische Eindrücke beschränkt.

Aber die Technologie schreitet immer weiter fort. Wer weiß, ob wir nicht eines Tages das gesamte Kunsterlebnis auch in der digitalen Welt mit allen Sinnen genießen können - sowohl beim Erschaffen als auch beim Erleben von digitalen Kunstwerken.

Textur und Haptik in der traditionellen Kunst

In der traditionellen Kunst werden dagegen echte physische Texturen geschaffen, die haptisch spürbar sind und visuelle Tiefe erzeugen.

Alle Sinne können im Kunsterlebnis mit einbezogen werden - vom Geruch der Farben bis hin zum Ertasten von Texturen und Strukturen.

Originalität, Haltbarkeit und Nachhaltigkeit

Originalität und Einzigartigkeit in der digitalen Kunst

Digitale Werke können leicht reproduziert werden, was ihre Einzigartigkeit mindern kann. Zwar gibt es Möglichkeiten wie NFTs zum Schutz vor Vervielfältigung. Diese haben sich jedoch bisher noch nicht allgemein durchgesetzt.

Originalität und Einzigartigkeit in der traditionellen Kunst

Ein originales, physisches Kunstwerk ist einzigartig und meist schwer zu reproduzieren. Damit zeichnen sich traditionelle Kunstwerke durch eine größere Einzigartigkeit aus.

Zeitlose Haltbarkeit von digitalen Kunstwerken

In der digitalen Kunst ist dieser Aspekt sehr zwiespältig.

Einerseits können digitale Kunstwerke durch Datenverlust gefährdet sein. Daher ist es sehr wichtig, dass du dich nicht nur darauf verlässt, dass schon nichts passieren wird. Du solltest unbedingt deine Werke (insbesondere die bearbeitbaren Originaldateien) regelmäßig durch Backups sichern. So kannst du bei Verlust der Dateien auf deinem Gerät diese aus den Backups wiederherstellen.

Andererseits können beispielsweise digitale Farben nicht verblassen. Digitale Werte sind generell weniger anfällig für Umwelteinflüsse und behalten (vorausgesetzt, dass die Daten gesichert sind) genau die Eigenschaften, die sie bei ihrer Erschaffung hatten.

Doch ihre Wiedergabe ist abhängig von ihrem Format und ihren Anforderungen an Soft- und Hardware.

Zeitlose Haltbarkeit von traditionellen Kunstwerken

Auch in der digitalen Kunst hat dieser Aspekt zwei Seiten.

Einerseits sind traditionelle Kunstwerke anfällig für Umwelteinflüsse wie Licht und Feuchtigkeit und müssen dementsprechend geschützt werden.

Andererseits können sie bei entsprechender Lagerung Jahrhunderte überstehen.

Traditionelle Kunstwerke können außerdem ohne Soft- und Hardware erlebt werden.

Nachhaltigkeit in der digitalen Kunst

In der digitalen Kunst werden weder Kunstmaterialien verbraucht noch entstehen Abfälle, die entsorgt werden müssen. Das schont die Umwelt.

Andererseits kann jedoch die Herstellung der Hardware die Umwelt belasten.

Zudem ist sowohl für die Erschaffung als auch die Wiedergabe digitaler Kunstwerke Strom erforderlich.

Nachhaltigkeit in der traditionellen Kunst

Bei der Schaffung von traditionellen Kunstwerken werden Materialien verbraucht und Abfälle verursacht, die teilweise umweltschädlich sein können (z. B. Farben und Lösungsmittel).

Für die Herstellung der Materialien werden Ressourcen verbraucht.

Teilweise wird sowohl bei der Erschaffung als auch beim Erleben auch Strom gebraucht (z. B. Beleuchtung), jedoch ist beides auch ohne Strom zumindest nicht unmöglich.

Verkauf und Vermarktung

Verkauf und Vermarktung von digitalen Kunstwerken

Digitale Kunstwerke können leicht geteilt, vervielfältigt und vermarktet werden (z. B. auf Social Media oder in Online-Shops).

Aus digitalen Werken lassen sich auch recht einfach druckbare Produkte (sogenannte Printables) herstellen, die weltweit ohne Transport verkauft und heruntergeladen werden können.

So lassen sich digitale Kunstwerke ganz einfach unzählige Male verkaufen. Der Stückpreis ist dabei meist recht niedrig. Insgesamt jedoch kannst du aus einem einzigen ursprünglichen Werk einen hohen Profit erzielen, ohne das Original hergeben zu müssen.

Es gibt auch eine Möglichkeit, ein digitales Kunstwerk als Original zu schützen (durch NFTs). Dieses kann dann auch als Original zu einem höheren Preis verkauft werden.

Verkauf und Vermarktung von traditionellen Kunstwerken

Traditionelle Werke können im Allgemeinen nur einmal verkauft werden.

Um sie zu vervielfältigen oder zwecks Vermarktung zu teilen, sind oft spezielle Scans oder Fotos erforderlich. Daraus können dann auch beispielsweise Kunstdrucke erstellt und verkauft werden.

Fazit

Beide Kunstformen haben ihre Vor- und Nachteile. Für welche Form du dich entscheidest. Hängt stark von deinen individuellen Vorlieben, Zielen und Umständen ab. Um dir die Wahl etwas zu erleichtern, findest du im Anschluss noch einmal eine tabellarische Gegenüberstellung der digitalen und traditionellen Kunst.